Macrofotografia

A macrofotografia é uma área da fotografia que encanta a todos, uma vez que seu grande mérito é trazer em suas imagens detalhes minúsculos do mundo que nos cerca. Usada principalmente na fotografia de natureza, a macro também descobre o espaço urbano e os produtos industrializados de uma forma inusitada, assim como também é muito utilizada nas ciências naturais, por revelar estruturas de seres minúsculos com muita clareza.

Mas o que define uma fotografia macro? Basta aproximar a câmera do objeto a ser fotografado e conseguiremos esse efeito? Eis aqui uma diferenciação entre ampliação e macrofotografia. A ampliação é uma relação numérica entre o tamanho original do assunto a ser fotografado, seja ele um inseto, um selo, uma folha etc. e o tamanho que o mesmo aparecerá no filme, e não no papel.

A mesquita das 57 cúpulas

Este é o monumento mais famoso de Abu Dhabi, capital dos Emirados Árabes Unidos. Foi dedicada ao Sheikh Zayed bin Sultán al Nahyan, fundador e primeiro presidente do país, falecido em 2004 e enterrado na mesquita. É a terceira maior mesquita do mundo e desde o ano de 2008 está aberta a visitantes não muçulmanos. Pode abrigar 30.000 pessoas e possui 57 cúpulas decoradas com mármore branco; sua fachada mede 90.000m².

Victor Molev - Metamorphosis

Victor Molev nasceu em Nizhniy Novgorod (Rússia) em 1955, graduou-se da faculdade de arquitetura em 1976 e trabalhou como arquiteto e pintor de cenários de teatro. Imigrou para Israel em 1990, onde era um membro da associação de artistas e escultores. Além de pintor é também artista gráfico e participou em numerosas exposições na Rússia, Israel e Europa. Suas obras podem ser encontradas em coleções particulares em toda a Europa, Estados Unidos, Canadá e Israel. Em agosto de 2006 ele se mudou para o Canadá e agora vive em Richmond Hill, Ontário. 

A verdade sobre Mona Lisa

Que foi Leonardo Da Vinci quem pintou a Mona Lisa, disso parece que ninguém tem dúvida. Agora, quem era a tal da Mona Lisa é uma dúvida que todos parecem ter. Escolha uma das alternativas que melhor completa a frase "A Mona Lisa era... : a)uma modelo qualquer"; b) uma senhora da nobreza italiana"; c) uma representação universal da mulher"; d) um(a) amante de Leonardo"; e) um auto-retrato de Leonardo"; f) nenhuma das alternativas anteriores".

O gabarito correto ainda não existe. Mas há algumas hipóteses. Uma delas diz que a modelo que posou para o pintor chama-se Isabella D'Este. Tratava-se de uma mulher da nobreza de Mântua, cidade onde Leonardo morou por muito tempo. Ele teria pedido a ele que pintasse um retrato seu. Um desenho de Isabella (feito por Leonardo) conhecido por especialistas é o que dá fôlego à teoria. Isso porque muitos traços são semelhantes aos da Mona Lisa. 

Outra hipótese, levantada por Vasari, biógrafo do pintor italiano, leva a crer que a mulher retratada é Lisa Gherardini, esposa de Francesco Giocondo, um rico comerciante de Florença. Essa alternativa, uma das mais aceitas pelos estudiosos modernos, explicaria o segundo nome comumente atribuído à pintura: Gioconda.

Entretanto, a idéia de que a "Gioconda" é na verdade um homem transfigurado tem também seus adeptos. Uns dizem que ela é um retrato de Francesco Giocondo mesmo e não de sua esposa. Outros afirmam que é o próprio Da Vinci. Seria um auto-retrato com traços femininos. A crença vem de um estudo realizado por Lillian Swartz e Gerald Holzman, especialistas em computação. A dupla comparou - por meio de softwares - a Mona Lisa com um auto-retrato do pintor e chegou a tal conclusão.

Para pesquisadores, a idéia de que a Mona Lisa é do sexo masculino reforçaria a tese de que Leonardo da Vinci era homossexual. Nessa linha, dizem que a pintura retrataria Andrea Salai, um adolescente com quem o artista teria se envolvido no início do sévulo XVI. 

E então, o que você acha? 

Fonte: Revista Superinteressante

Incríveis fotos sem Photoshop

Hoje em dia com as ferramentas disponíveis é possível fazer qualquer tipo de modificação em uma foto e com isso perdemos um pouco a referência do que é real e do que foi corrigido. Felizmente a fotografia através da captação de diferentes ângulos continua sendo uma arte ainda utilizada por muitos fotógrafos e trago para vocês uma seleção de fotos que por mais incrível que pareça, não foram modificadas no Photoshop. 

Três copos de vinho servidos na Torre de Pisa.
(Na verdade, o fotógrafo inclina a mesa e a câmara no mesmo ângulo).

O marco mais famoso de Paris sobre a paisagem é o suporte perfeito para fazer essa menina parecer um gigante em pé com uns 324 m (1.063 pés) de altura. O ângulo da câmara baixa e grande profundidade de campo fazem o resto do trabalho.

Andar sobre a água na Indonésia. (Tomada de 4 segundos de exposição)

Por mais doloroso que isso possa parecer, esta é uma foto de verdade. Júlio Aparicio, um dos matadores mais famosos da Espanha, foi chifrado na garganta durante uma tourada. O incidente ocorreu durante o Festival de São Isidro, considerado o mais importante evento no calendário de touradas, na Arena Plaza de Toros de Las Ventas em maio de 2010. O matador sobreviveu ao ataque, mas o touro foi morto após o incidente.

Fotografia tirada com telefone celular de uma menina em sua bicicleta em frente ao Palácio Real em Amsterdã, refletido em uma poça. Sem edição, sem truques, sem Photoshop. Esta foto foi escolhida como “Foto do dia” no Metro Photo Challenge e apresentado na versão impressa do jornal Metro.

O amor está no ar, ou neste caso, sobre a Terra. Esta ilha em forma de coração parece obra do homem, mas na verdade é uma obra da natureza e só recentemente foi destaque pelo Google Earth. Esta bonita ilha croata, alinhada por todos os lados com areias douradas, está localizada no Zadarski Kanal (Canal Zadar) entre Zadar e Ilha de Pasman.

As listras verticais + listras horizontais = camisa xadrez (por Rene Maltete, o fotógrafo francês (1930-2000) – a foto é chamado de “Rayures”, graças Xavi!)

Existe um lugar mágico, na Bolívia, chamado Salar de Uyuni, onde você pode tirar fotos incríveis como estas.

Isso não é Photoshop – é uma fotografia real da maior cadeira do mundo, na praça de Manzano, Itália. (Manzano é uma cidade de fabricantes de cadeira).

Forma na Arquitetura - Oscar Niemeyer

 Excertos do livro de Oscar Niemeyer com publicação em 1978. 

"Minha idéia, ao escrever este pequeno texto, foi definir meu pensamento sobre o problema da forma na arquitetura, assunto que constitui, a meu ver, um equívoco lamentável ampliado pelo funcionalismo, utilizado pelos pequenos grupos que dele se servem até hoje. É problema que me ocupou por toda a vida e no qual intervim quando, em 1940, projetei as obras da Pampula, em Belo Horizonte. (...) A forma evoluiu na arquitetura em função das novas técnicas e dos novos materiais que lhe dão aspectos diferentes e inovadores.

Primeiro, foram as formas robustas que as construções em pedra e argila obrigavam; depois, surgiram as abóbadas, os arcos e as ogivas, os vãos imensos, as formas livres e inesperadas que o concreto permite e os temas modernos solicitam.

Diante dessa evolução contínua e inevitável e dos programas que surgem, criados pela vida e pelo progresso, o arquiteto vem concebendo, atráves dos tempos, o seu projeto: frio e monótono ou belo e criador, conforme seu temperamento e sensibilidade. Para alguns, é a função que conta; para outros, inclui a beleza, a fantasia, a surpresa arquitetural que constitui, para mim, a própria arquitetura.

E essa preocupação de criar beleza é, sem dúvida, uma das características mais evidentes do ser humano, em êxtase diante desse universo fascinante em que vive. E isso encontramos nas épocas mais remotas, com o nosso ancestral longínquo a pintar as paredes de sua caverna, antes mesmo de construir o seu pequeno abrigo.

E o mesmo se repete pelos tempos afora, a partir das pirâmides do Egito. Arquitetura-escultura, forma solta e dominadora sob os espaços infinitos. Sobre a beleza e a forma plástica na arquitetura lá pelo ano de 36, quando iniciei minha vida de arquiteto e a arquitetura contemporânea se fixava entre nós com o funcionalismo pontificando, recusando a liberdade de criação e a invenção arquitetural sempre presentes nos grandes períodos da arquitetura. 

Foi o tempo da planta de dentro para fora, do ângulo reto, da máquina de habitar, da imposição dos sitemas construtivos, imitações funcionalistas que não me convenciam ao olhar as obras do passado tão cheias de invenção e lirismo. Não podia compreender como, na época do concreto armado que tudo oferecia, a arquitetura contemporânea permanecesse com um vocabulário frio e repetido, incapaz de exprimir aquele sistema em toda a sua grandeza e plenitude.

Recordava, então, os velhos períodos, quando, limitado por uma técnica ainda incipiente, o arquiteto penetrava, corajoso, no caminho do sonho e da fantasia. Mas a arquitetura contemporânea baseava sua presença na técnica construtiva que tudo devia modificar, apoiando-se no funcionalismo para realizar a metamorfose desejada: substituir as antigas fachadas pelos grandes painéis de vidro; as grossas paredes de alvenaria pelas finas colunas de concreto; os telhados, os frontões e outros elementos que compunham as coberturas pelo terraço-jardim e os espaços, antes ocupados pelos edifícios, pelos pilotis. E o funcionalismo se transformou na sua arma preferida, recusando a liberdade de concepção com seu rigorismo estrutural opressivo.

Durante os primeiros tempos, procurei aceitar tudo isso como uma limitação provisória e necessária, mas depois, com a arquitetura contemporânea vitoriosa voltei-me inteiramente contra o funcionalismo, desejoso de vê-la integrada na técnica que surgira e juntas caminhando pelo campo de beleza e da poesia.

E essa idéia passou a dominar-me, como uma deliberação interior irreprimível, decorrente talvez de antigas lembranças, das igrejas de Minas Gerais, das mulheres belas e sensuais que passam pela vida, das montanhas recortadas esculturais e inesquecíveis do meu país. "Oscar você tem as montanhas do Rio dentro dos olhos", foi o que um dia ouvi de Le Corbusier. 

Mas, não raro, era a forma abstrata que me atraía, pura e delgada, solta no espaço à procura do espetáculo arquitetural. E nela me detinha, conferindo-a tecnicamente, certo de que alguns teriam empenho em analisá-la, com essa vocação para a mediocridade que não permite concessões nem obra criadora. 

E isso explica minha atuação diante das obras de Pampulha, apesar de recém-saído da escola de arquitetura, mas já tocado por essa vontade imperiosa de contestação e desafio. E Pampulha surgiu com suas formas diferentes, suas abóbadas variadas, com as curvas da marquise da Casa do Baile e provocarem os tabus existentes.

Casa do Baile, Belo Horizonte, 1943.

Igreja da Pampulha, Belo Horizonte, 1943.

                                             
Mas não devo falar de Pampulha sem antes me referir a certos falos que a precederam, sem lembrar que outros projetos - já modernos - começavam a aparecer, embora despidos do espírito radical e renovador que ela exibia.

(...)
Mas se o prédio do Ministério, projetado por Le Corbusier, constituiu a base do movimento moderno no Brasil, é a Pampulha - permitam-me dizê-lo - que devemos o início da nossa arquitetura, voltada para a forma livre e criadora que até hoje a caracteriza. Durante anos acompanhei com JK as obras da Pampulha, visitando juntos, altas horas da noite - como vinte anos depois ocorreu em Brasília - os canteiros de serviço, surpreso com o seu entusiasmo a imaginar Pampulha já construída e o cassino, o clube, a igreja e a Casa do Baile a se refletirem nas águas da represa. E Pampulha inaugurou-se, e cobriu-se de casas e jardins, de vegetação, ruídos e alegria. Era o bairro diferente que Juscelino sonhava e que tanta falta fazia a Belo Horizonte. Os que visitavam Pampulha se entusiasmavam com as formas novas que ela oferecia e a leveza de sua arquitetura. De Lucio Costa, que a visitou logo depois de inaugurada, recebi esse telegrama "Oscar, Pampulha é uma beleza". Do meu colega francês, Deroche, que encontrei vinte anos depois em Paris, esta frase sugestiva: "Pampulha foi o grande entusiasmo da minha geração". De Ozenfant, amigo de Le Corbusier, recolhi, no seu livro de memórias, este trecho claro, de destino inconfundível: "Le Corbusier, depois de ter defendido a discilplina purista e a lealdade ao ângulo reto, pelo qual pretendia direitos particulares, parece ter decidido abandoná-lo, ao sentir no vento as premissas de um novo barroco, vindo de fora, que faz justiça a ele mesmo e, como sempre, com um imenso talento".


Mas nem todos sorriam. Para os mais dotados, Pampulha era uma opção atraente, permitindo a liberdade que o funcionalismo recusava. Para outros, um caminho difícil de seguir e principalmente de conceber. Uns se aventuraram nessa tarefa e os resultados nem sempre foram satisfatórios, o que explica alguns exemplos lamentáveis disseminados pelo país; outros, mais realistas, preferiram manter-se nas soluções simples e fáceis de projetar. Mas alguns contra Pampulha se insurgiram, incapazes de nos acompanhar nas formas mais livres que propúnhamos.


E as palavras barroca e fotogênica se repetiam, vazia e gratuitas, pois os que nos contestavam nada de novo tinham a sugerir. A idéia do barroco, que Herbert Reed tão bem compreendia, resumia-se para eles num termo pejorativo cujas nuanças e significação pareciam desconhecer. A própria curva, que tanto os perturbava, era por eles desenhada de forma frouxa e desfibrada, não a sentindo, como nós, estruturada, feita com curvas e retas. Até as colunas que afastávamos dos edifícios e desenhávamos como formas livres e variadas, eles não conseguiam compreender. Um dia, contei como as projetava, como ao desenhá-las me via a circular entre elas e os edifícios, imaginando as formas que teriam, os pontos de vista possíveis de variar, etc. Meu intuito era mostrar como o problema plástico era laboriosamente pensado e como neles nos detínhamos com carinho.


(...)
Aos que contestavam explicava pacientemente as razões da minha arquitetura, dizendo, por exemplo - para evitar discussões ociosas -, que as curvas da marquise da Casa do Baile acompanhavam e protegiam as mesas localizadas junto à represa, quando na verdade eram apenas as curvas que me atraiam.


Às vezes, revoltava-me contra tanta insensibilidade, respondendo aos mais complexados que formalista era a arquitetura purista que propunham, pois antes de elaborada já a esperávamos nos seus eternos cubos de vidro, o que para mim constitui formalismo absoluto, considerando que programas construtivos sugerem, muitas vezes, soluções recortadas e inovadoras.


(...)
Mas foi em Brasília que minha arquitetura se fez mais livre e rigorosa. Livre, no sentido da forma plástica; rigorosa, pela preocupação de mantê-la em perímetros regulares e definidos. E se fez mais importante, sem dúvida, pois se tratava da arquitetura de uma Capital. Minha preocupação foi caracterizá-la com as próprias estruturas, armando os apoios com o objetivo de tomar os palácios mais leves, como que simplesmente tocando o chão, e incorporei a arquitetura ao sistema estrutural, permitindo, que, terminada uma estrutura, ela também estivesse presente, ao contrário dos prédios usuais, onde aparece depois, pouco a pouco, com a colocação dos pré-fabricados, brise-soleil, vidros, etc. Integrava-a na técnica mais avançada, no vão maior, nos balanços imensos, nela caracterizando o apuro do conceito armado.

Palácio dos Doges - Veneza, 804.

(...)

- Que você pensa do Palácio dos Doges?

- Muito bonito.

- E das suas colunas cheias de curvas?

- Belíssimas.

- Mas vocês não acha que elas poderiam ser mais simples e funcionais?

- Acho.

- Mas se elas fossem mais simples e funcionais não criariam, sem suas curvas, o contraste esplêndido que estabelecem com a parede lisa e extensa que suportam!

- Isso é verdade.

- Então, você tem que aceitar que quando uma forma cria beleza ela tem uma função e das mais importantes na arquitetura.

Vertical Tango

Você já imaginou o Tango dançado verticalmente? Os artistas do Cirque du Solei, Sandra Feusi e Sam Payne, conseguem fazê-lo de uma forma completamente inusitada que encanta a todos que presenciam tal espetáculo. A dança é reconstruída literalmente sobre uma nova perspectiva e os artistas dão um novo significado à essa dança incrível que possui admiradores pelo mundo todo. Uma verdadeira forma de arte que deve ser apreciada. Confira no vídeo o espetáculo e mais informações no site ( www.verticaltango.com ).

Animação com areia

Bom, falta de tempo nos dias de hoje é um dos fatores que influencia na vida dos blogs e como não poderia ser diferente acontece com todos, inclusive comigo, apesar do esforço de mantêr posts diários.

Trago hoje para vocês mais um vídeo de arte na areia que me foi enviado por um grande amigo, João Pessatto, dessa vez de uma artista ucraniana, Kseniya Simonova, vencedora do Got Talent 2009, versão ucraniana do America's Got Talent, programa que fez de Susan Boyle uma celebridade.

Numa impressionante performance e munida de muito talento e imaginação, Simonova interpreta dramaticamente a invasão alemã e a ocupação da Ucrânia durante a Segunda Guerra. Enjoy:

Arquitetura Líquida

Até onde vai a Arte e começa a Ciência ou vice-versa? A japonesa Sachiko Kodama estabelece a ponte entre as duas. Começou por obter uma graduação em física e, não satisfeita, frequentou de seguida um curso de belas-artes, após o que iniciou o doutoramento na área da holografia e arte computacional. Kodama tem, portanto, um currículo impressionante. Ultimamente tem-se tornado conhecida graças às suas esculturas e outros trabalhos com ferrofluidos. Há quem lhe chame "arquitetura líquida".

Um ferrofluído, ou fluído magnético, é um líquido que possui em suspensão partículas microscópicas de metais ferromagnéticos e que, por isso, é sensível a campos magnéticos que lhe podem moldar a forma. Como o líquido não retém a magnetização, assim que esta cessa tudo volta à forma inicial. Este material de propriedades interessantes foi originalmente desenvolvido pela NASA nos anos 60' para tentar controlar combustíveis em gravidade zero.

Foram estas características que captaram o interesse de Kodama e a fizeram desenvolver um projecto a que chamou "Protrude, Flow". Neste projeto, a artista explora as propriedades plásticas dos ferrofluídos e consegue criar formas e padrões surpreendentes e belos, que surgem do nada para logo tornarem a desaparecer ou a assumir outras formas sob a ação de novos campos magnéticos. A superfície brilhante e a cor escura do líquido que parece uma criatura com vida própria provoca um efeito simultâneo de receio e de admiração.

Tal como neste caso, existem muitas vezes no domínio científico, matemático ou racional combinações de uma beleza insuspeita. Afinal existe algo na ordem, natural ou artificial, que admiramos genuinamente e a que chamamos belo, tenhamos a mente objetiva de um verdadeiro cientista ou a alma emotiva de um artista. Sachiko Kodama tem as duas.

Fotografia Contemporânea

Para se entender a fotografia abstrata é preciso compreender a interpretação do real feita pelos fotógrafos através dos tempos. O olhar sobre o mundo, feito pela fotografia, em um primeiro momento, meados do século XIX, foi um continuísmo da maneira como a pintura representava não só a sociedade, seus personagens, a natureza, enfim, o mundo real.

A fotografia nasce com sua linguagem atrelada à função social que a pintura desempenhava naquela época. Assim a linguagem, neste momento, não só se utiliza da composição oriunda da pintura, como também apresenta-se empenhada em representar a realidade tal qual ela se apresentava. O movimento chamado pictorialismo é o maior exemplo dessa ligação inicial da fotografia com a pintura.

Por meio de várias formas de manipulação da imagem fotográfica, o fotógrafo procurava inserir a fotografia no universo das artes visuais, ao mesmo tempo distanciando da então compreensão do que seria uma imagem fotográfica e, aproximando-a da linguagem pictórica.

Com o desenvolvimento da tecnologia, os equipamentos tornaram-se mais leves e as emulsões mais rápidas, permitindo uma maior mobilidade do fotógrafo, facilitando assim, a busca por ângulos inusitados e recortes que fugissem da intenção de representação fiel da realidade.

Um momento importante é movimento do construtivismo russo, já no início do século XX. Não por acaso, neste momento estava nascendo a pintura abstrata. Alexander Rodchenko, e László Moholy-Nagy, principalmente, ampliaram as possibilidades da fotografia, incutindo no fotógrafo o desafio de mostrar o mundo de uma forma diferente e inusitada. Enriquecendo o imaginário fotográfico, Rodchenko e Moholy-Nagy iniciaram a história da fotografia abstrata, propondo novos ângulos em imagens que contribuíram para o abstracionismo na fotografia.

Com os surrealistas, representados na fotografia principalmente por Man Ray, a fotografia abstrata conquista seu espaço. May Ray, inclusive assessorando Marcel Duchamp em alguns de seus trabalhos, propõe novos elementos estéticos na fotografia, fugindo do figurativo e mergulhando em um universo fotográfico descompromissado com a representação da realidade. May Ray retoma a técnica criada por Henry Fox Talbot, no início da história da fotografia, rebatizando-a de Rayografia, técnica hoje conhecida por fotograma. A idéia é colocar objetos diretamente sobre o papel fotográfico, no laboratório, sem o uso do negativo, pesquisando composições abstratas em ricas gradações de cinzas, luzes e sombras.

As fotografias aéreas, em alguns casos, são imagens abstratas, pois as referências do mundo real se dissolvem, assim como nas fotografias feitas por microscópios. Interessante notar que, segundo Phillipe Dubois(1), El Lissistsky e Kasimir Malévitch, pintores do movimento artístico chamado Suprematismo, se inspiraram em fotografias aéreas para produzirem suas imagens abstratas.

É possível fazer um pequeno paralelo entre a fotografia abstrata e a pintura abstrata. Para Meyer Schapiro(2), ao contrário do que alguns dizem sobre a pintura abstrata, esta não é fruto de um excesso de racionalismo e ausência de sentimentos, é sim, o ápice da dimensão humana no processo criativo. É no abstrato que o artista
coloca todo o seu potencial para criar uma imagem que não traga em sua percepção referência de figurativo. Faço uma comparação com a fotografia abstrata, com a ressalva que sem o referente real a fotografia não existe.

A fotografia traz consigo, sempre, um rastro do real, definida por alguns como uma imagem de natureza indicial. Isto coloca a fotografia abstrata em uma situação de ambigüidade. Ao mesmo tempo que procura negar uma representação figurativa da realidade, por outro lado, até por sua gênese por projeção luminosa sobre a material fotossenssível, não pode nascer desassociada de algo real que esteve diante da câmera.

Há também um desafio que o fotógrafo se impõe de ser original, fruto do bombardeamento não só de fotografias mas também de todos os tipos de imagens, sempre na busca de ter em suas fotografia uma abordagem diferente nunca antes vista. Isto o instiga na procura por abstrair o real, e propor imagens que mesmo geradas a partir de referentes reais ao mesmo tempo negue este mesmo real.

O resultado é um conjunto de fotografias abstratas que ao mesmo tempo em que nos remetem ao digital, demonstram também as muitas possibilidades da fotografia explorando apenas o recorte da realidade que nos cerca. São imagens que partem de um mundo real e negam, ao mesmo tempo, sua ligação com referentes deste real.

Na exposição Composições, o abstracionismo está em uma total negação ao figurativo. As fotografias não têm foco, dificultando ainda mais o reconhecimento do referente. São massas de cor, com seus limites diluídos, distribuídas pelo retângulo em uma pesquisa estética de composições.

Não sei se interessa saber a partir de qual objeto foi feita uma fotografia abstrata. Mas para o espectador, em geral, isto é importante, pois a fotografia traz esta ligação indissociável com o real. Como é fotografia então há um objeto para onde a máquina fotográfica esteve apontada por um átimo de segundo que seja. É a ambigüidade do abstracionismo na fotografia. Prefiro que o julgamento do resultado não esteja condicionado ao conhecimento de qual porção do real aquela imagem partiu, mas espectador é livre em suas considerações e julgamento.

O abstrato nega o figurativo, e de certa forma nega o real, isto instiga o fotógrafo. Uma vez em exposição o fotógrafo quer mostrar do que foi capaz e faz um desafio ao espectador: Será capaz de julgar a imagem sem precisar saber a partir do quê foi feito aquela fotografia?

1 DUBOIS, Philippe. O ato fotográfico. Campinas, SP. Papirus, 1994.

2 SCAHPIRO, Meyer. Mondrian-a dimensão humana da pintura abstrata. São Paulo-SP, Cosac & Edições, 2001.

Castelo de Cartas

Bryan Berg bateu o Guinness World Record pelo mais alto castelo de cartas do mundo em 1992, com a idade de dezessete anos, com uma torre de catorze metros e seis centímetros de altura. Seu último recorde de participação da categoria é de vinte e cinco metros de altura.

Em 2004, o Guinness criou um novo recorde para categoria Maior Castelo de Cartas do Mundo para reconhecer um projeto de Berg construído para Walt Disney World - uma réplica do Castelo da Cinderela. Ele ainda possui os dois maiores recordes.

Berg já apareceu na CNN, 20/20, MTV, VH1, Showtime, The Discovery Channel, Ripley's Believe It Or Not, Good Morning America, The Today Show, Ellen Degeneres, Martha Stewart Unsifted, Guinness Prime Time, CBS This Morning e televisões estrangeiras diversas.

Sua obra tem sido destaque em quase todos os grandes jornais de âmbito nacional, além de publicações como a Wired, Reader's Digest, Men's Health, E.U.A. Hoje, Games Magazine, Maxim, The National Enquirer, National Geographic For Kids, Time Magazine for Kids, ESPN Magazine, ASK Magazine, e 321 do contato. Ele também foi destaque em publicações de toda a Europa, Ásia e América do Sul.

Na clientela de Berg estão inclusos Lexus, Walt Disney World, Star Wars, Opera de San Francisco, Neopets / Wizards of the Coast, Fuji Television Japão, Cereal Post, Pinnacle Brands, Topps, Baseball Hall of Fame, DMG World Media, ea Procter & Gamble.

Projetos também foram produzidos com organizações como a Warner Brothers, Jogos Olímpicos de Pequim, a Coca-Cola, Pepsi, American Airlines, Major League Baseball e da National Hockey League.

É possível conferir os trabalhos de Berg no site http://www.cardstacker.com

Usando 22 mil cartas, durante 3 dias, Bryan construiu uma réplica do Rhode Island State House. Veja no vídeo abaixo como isso foi feito:

Esculturas feitas com cabelo

Já existem esculturas feitas de pedra e madeira, agora há também feitas com cabelo humano.

Um cabeleireiro de Pequim está preparando uma réplica de prédios e monumentos (todos feitos inteiramente de cabelo humano) em volta da praça da Paz Celestial para comemorar os 60 anos de aniversário do comunismo na China.

Até agora, Huang Xin completou o Monumento aos Heróis, e está acertando os detalhes finais do Portão da Paz Celestial, ou Tiananmen, finalizado com um retrato em miniatura do ex-governante Mao -- a única parte que não foi feita de cabelo.

Isso deixa-o ao lado de outras duas enormes construções comunistas -- o Parlamento e o Museu Nacional da História Chinesa -- que serão concluídos antes do aniversário da revolução em 1o de outubro.

Cerca de 11 quilos de cabelo e 500 yuan (71 dólares) de tinta de cabelo e outros produtos foram usados para construir a réplica do Portão da Paz Celestial, que tem aproximadamente um metro de comprimento.

Levou dias para Huang simplesmente desenhar e projetar, mas cinco meses para reunir cabelo suficiente para criar o projeto.

Em vez de jogar fora os cabelos dos clientes após cortar, Hunag Xin varria, lavava e pintava os tufos de cabelo e transformava-os em substitutos para tijolos, madeira ou qualquer outro material necessário para seu trabalho de arte.

"Alguns clientes me apoiam, outros não. Alguns apenas não acreditam que seja possível fazer modelos de tamanha arquitetura usando um material tão delicado como o cabelo humano", disse Huang à Reuters.

Huang já fez réplicas da tocha olímpica e de artefatos antigos chineses.

Geralmente leva meses para juntar cabelo suficiente para uma grande réplica, que requer dezenas de tubos de tinta para mudar o cabelo para uma cor desejável.

A longo prazo, ele diz que gostaria de levar o seu trabalho e seu passatempo juntos, criando imagens de seus clientes usando seus próprios cabelos, que ele acredita que dura mais do que fotografias.

"Estou planejando fazer retratos dos clientes usando seus próprios cabelos. Tecnicamente, eu seria capaz de fazer trabalhos planos, que seriam, por exemplo, parecidos com fotografias", disse.

Confira alguns dos trabalhos de Huang:

Encantador de cavalos

Magnífica interação homem-animal. Enjoy:

Pintura de rua em 3D

Kurt Wenner é um artista e Mestre Arquiteto famoso por inventar desenhos tridimensionais em tons de pastel. Também conhecido como: 3D Street Painting, 3D Pavement Art, 3D Chalk Art, ou 3D Sidewalk Art, uma forma de arte anamórfica.

Anamorfismo é geralmente considerado uma forma de ilusão, mas é a continuação lógica matemática de perspectiva. Uma vez conhecidos como madonnari, artistas de rua desenharam a arte efêmera por séculos.

Atualmente, Kurt Wenner está escrevendo uma história sobre Street Painting, explicando como a arte de rua e de calçadas transformou-se em uma forma de mídia espetacular, muito popular em propagandas, publicidades e numerosos festivais de rua pintura.

Um Madonannaro ou artista de giz na Itália pode ser um "strassenmaler" na Alemanha, um artista de rua nos Estados Unidos, mas a pintura de rua e arte na calçada foram transformadas irreconhecivelmente.

Enquanto estudava arquitetura clássica e perspectiva, Kurt Wenner aplicou os princípios do desenho clássico e design para a calçada, transformando completamente a forma de arte.

"Obras-primas em Chalk" foi o documentário da National Geographic que estabeleceu o 3D Street Painting como uma nova forma de arte, mas só depois de 15 anos poderiam outros artistas (com o auxílio de programas de computador) replicar as ilusões. Hoje, artistas como Julian Beever, Stader Manfred, Edgar Muller e vários artistas, criam desenhos tridimensionais originais e, por vezes, imitam obras de Kurt Wenner.

Na verdade, os artistas do 3D têm os vestígios do seu trabalho voltados para a arte de rua de Roma, em 1982, quando Kurt Wenner transformou a geometria complexa da arquitetura clássica italiana em uma nova forma de arte popular. São chamadas de pinturas de rua ou arte na calçada se têm uma ilusão tridimensional que pode ser rastreada até os desenhos a pastel de Kurt Wenner. Além de criar 3D Street Painting para publicidade e propaganda, Kurt Wenner projeta arquitetura residencial e trabalha com design de interiores luxuosos.

Veja abaixo alguns dos trabalhos do artista: